7年多来在国内外60余座城市演出超800场，上海歌舞团舞剧《永不消逝的电波》自诞生以来不断创下佳绩。
11月13日晚，这部“现象级”舞剧在美琪大戏院上演800场纪念演出。以王佳俊、朱洁静为首的“全A组”主演悉数登台，和观众共同庆祝这一特殊时刻。
这部作品开辟了中国舞剧的市场化之路，从上海驻演到全国巡演，掀起一轮又一轮“电波热”。800场纪念演出前，主创团队相聚一堂，拆解“电波”成功的密码。
主创团队相聚一堂
“每个人都较真，才凑出完整的电波”
“电波”的创作之路充满攻坚克难，但一开始，它就是冲着长线发展去做的。
“找选题、做创作，必须想清楚它的持续价值和未来可能性，靠‘蒙’是走不远的。”制作人/艺术监制陈飞华说，“电波”不是盲目创作，而是带着明确的长远目标推进。
“当时，很多人不看好隐蔽战线题材，觉得舞蹈语言撑不起复杂的地下工作故事。但我们不服输。”主创团队燃起斗志，最后拿出了让观众喜欢的作品。艰巨的挑战是最好的试金石，攻克了它，就握住了成功的密码。
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舞坛“双子星”韩真和周莉亚最初接到的是《芦花女》委约创作，临阵要换红色题材，一时没反应过来。
两位导演决定去上海走一圈，找找感觉。“第一次来上海总觉得没摸到核心。直到聊到隐蔽战线的‘电波’，我眼睛亮了，小时候看过相关故事，发电报的画面特别清晰。”那一刻，周莉亚有了创作的冲动。
“那会儿她们才三十出头，对新事物的接受度高，也有调整的勇气。”陈飞华回忆，他们还聊到怎么让红色题材贴近年轻人，比如借鉴年轻人喜欢的“狼人杀”，帮助观众理解剧情。
两位导演也会有分歧，但“电波”的创作特别顺畅，是两人合作过的作品里“灵感和执行双在线”的一次。
“一方面，我们有了好几部戏的积累，刚好到了能驾驭这个题材的阶段；另一方面，上海歌舞团的演员和工作人员太给力了，不管是台前的演员，还是幕后的舞美、灯光，都能快速get要求，甚至能超出预期呈现。”
那段时间，两位导演正处于创作爆发期，还在作品里加了不少小巧思。故事是线性的，她们会借助蒙太奇手法，重新用舞台空间去架构故事，比如将4对双人舞浓缩在同一空间，表现李侠和兰芬相识、相近、相爱、相别的过程，感情的流动跃然纸上。
舞段“渔光曲”的部分灵感，则源自上海弄堂深处一位老奶奶洗带鱼的日常瞬间。两位导演和奶奶聊了好一会儿，她的房子有个小楼梯，李侠和兰芬住的房里也有楼梯。“她的举手投足，恰恰投射了我们对于上海女性的想象和儿时的记忆。”两位导演强调，要真正走入上海，去感受这个城市的人文温度，故事才有着陆点。
在很多人眼里，韩真、周莉亚是中国最“较真”的导演，哪个细节心里过不去，必须改到满意为止。也有观众说，“电波”里每个主创环节都没掉队，“因为每个人都在较真。不光是我们俩，编剧、作曲、舞美、演员，每个人都对自己的部分有要求，不会敷衍。”周莉亚说，所有人都较真，才凑出了完整的“电波”。
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“以前人们总觉得舞剧靠肢体表达，不需要完整剧本，最多两页纸、几句话概括剧情。但我为‘电波’写了一万多字的剧本，想给所有主创一个思考的原点。”编剧罗怀臻说。
难点在于如何用文字为舞蹈铺路。电影有台词和镜头语言，话剧有对白，舞剧靠肢体，剧本不能写得太“满”，要留足肢体表达的空间，但也不能太“空”，得把人物的价值观、故事的风格感讲清楚。
很多作品有脸谱化倾向，好人、坏人一眼能分清。但“电波”突出了人性化，比如李侠不只是英雄，也是有家庭、有情感的普通人，反派也不是纯粹的坏，而是有立场和动机的角色。
舞剧对电影做了提纯和拓展：提纯电影里的核心情节，比如“发电报”“传递情报”；拓展电影没细讲的场景，比如石库门里的普通生活、上海市民的日常状态。这样一来，舞剧就和电影有了区别，更贴近生活中的红色故事，而不是概念化的英雄叙事。
罗怀臻总结，“电波”开创了两个先例：一是中国舞剧的“市场化路径”，靠市场、靠口碑走到了800场；二是红色题材的“年轻化表达”，把年轻人熟悉的情感逻辑融入故事，让观众有共鸣。如今，很多红色题材作品都在借鉴这种创作思路。
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“接力棒传到我们手上，要死死攥紧”
从《渔光曲》《葡萄美酒》到结尾的吉他独奏，“电波”的音乐也给人留下深刻印象。
穿着旗袍的婀娜女子，摇着蒲扇，踩着矮凳，在弄堂里穿寻，充满了烟火气——这一段配着《渔光曲》的扇子舞，是“电波”最出圈的舞段。
有一天，作曲杨帆接到陈飞华电话，要不试试《渔光曲》？一开始他并不想用，因为太经典，很多影视作品用过，担心观众听腻了。他试着结合舞蹈的节奏改编。演员排练时，舞蹈的速度很慢，慢到他怀疑人生。于是，他在旋律里加了很多细节，用弦乐铺垫情绪，用钢琴点缀节奏，才慢慢找到平衡。如今，每次看演员跳那段扇子舞，他都觉得《渔光曲》选对了。
“上海老歌里，除了熟悉的《夜来香》，还有很多小众但有味道的作品，《葡萄美酒》就是其中之一。”他还借鉴了国外电影的手法，用美好旋律来反衬紧张或惊悚的剧情——《葡萄美酒》用在特务搜查的片段，和柳尼娜搭在一块，形成了反差，观众更能感受到隐蔽战线的危险。
“电波”的开篇用了浓烈的乐队伴奏，突出英雄叙事的厚重感，结尾，他想换一种风格，体现平凡英雄的传承。比如，兰芬抱着孩子，身边是上海解放后各行各业的普通人，这些无名英雄更需要细腻温暖的音乐表达。
他开始做排除法：小提琴太抒情，适合表达个人情感；钢琴太冷静，少了烟火气；手风琴有年代感，但不够轻盈。最后想到吉他，它既能独奏旋律，又能弹伴奏，音色温暖又有质感，刚好契合“平凡中的伟大”的主题。
杨帆在上海待过12年，曾在上海考音乐学院求学，住过石库门，在酒吧弹过琴，对上海的海派文化特别熟悉，“没有在上海的生活，我写不出‘电波’的音乐。”
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“我一开始心里没底，直到看了三段排练，被震撼，决心接手。”“电波”也是张松做的第一部舞剧多媒体设计。
开场那段充满紧张气息的“雨伞舞”，已经成了舞剧标志。导演要求，雨的变化要配合音乐、表演，严丝合缝，不能多也不能少，“我准备了七八种素材，有密码雨，小雨和大雨，慢放雨和零星雨，本想挑几个，没想到导演全要。”“电波”首演后两三年，张松接到很多创作邀约，全是舞剧，有剧组甚至说就要“电波”那种雨。
若要问最喜欢哪一段多媒体设计，张松选择了结尾的报纸段落。他从故纸堆里翻出两张当时的报纸，剩下的都是他们自己做，核对字体、设计排版，加班加点熬夜赶制，“这段设计既有历史厚重感，又能呼应剧情，是我特别满意的一段。”
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执行导演吴欢被称为“留守青年”。“电波”走到800场，很多核心主创已经奔赴新的事业高峰，而吴欢一直坚守在岗位上，800场从未缺席。
“我更像舞团、导演和演员之间的桥梁。”从采风、排练到首演、巡演，他见证了每一个环节。有时，他一个月得看20遍“电波”， “我总和演员说，对某个城市的某个观众来说，这可能是他们看的第一场‘电波’，必须拿出诚意。敬畏舞台从来不是口号。”
“电波”也面临着演员更替。他把“熟戏生跳”四个字送给演员们，还总和他们起朱洁静的故事——每场演出上半场结束后，她都会第一时间发信息问他：有没有跳超了，使大劲了？表演还贴合角色吗？——“她做到了对角色的极致爱护，这也是所有人该有的态度。”有一次，朱洁静给他截了一张图，有二楼观众反映“渔光曲”的斜线不齐，之后他都会反复核对，确保不管观众在哪个位置看到的都是整齐画面。
“导演标准是唯一标准，演员不能随便改戏，必须严格执行。这么多年，舞剧口碑一直没掉，是最好证明。”韩真的一句话一直激励着他，“文艺工作者有责任讲好那一代英雄的故事，接力棒传到我们手上，要死死攥紧，一棒一棒传承下去。我能坚持，正是因为这份使命感。”
800场纪念演出海报
